Temario & Estructura del Curso

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TEMARIO 

CURSO DE COMPOSICIÓN

Esta especialidad incluye:

  1. CURSO DE COMPOSICIÓN. Profesor: José Manuel LÓPEZ LÓPEZ.
  2. SESIONES DE TRABAJO PRÁCTICO & ENSAYOS. Profesores: Miquel BERNAT, percusión | José Luis ESTELLÉS, clarinete en si bemol & clarinete bajo | Alberto ROSADO, piano.

Convocamos, por primera vez, un Curso de Composición dirigido a alumnos de composición, así como a jóvenes compositores en periodo de formación (postgrado), que será impartido por José Manuel López López, compositor y profesor de composición en el Conservatorio de París (CRR), en el Conservatorio de Gennevilliers y en la Universidad de Paris 8, donde dirige el Atelier de Composition.

Las clases se desarrollarán entre el 8 y el 15 de julio de 2019, ambos inclusive (8 días lectivos).

Los candidatos deberán enviar a Música Activa (info@musicaactiva.com), junto con el formulario de inscripción, una obra de su autoría, para que el profesor pueda seleccionar a los alumnos que integrarán el curso.

El número máximo de alumnos activos admitidos será de 8.

Una vez seleccionados los 8 alumnos, iniciarán la composición de una obra de cámara de duración no superior a 8 minutos, para la formación siguiente:

Piano (Intérprete: Alberto Rosado)

Clarinete en Sib y/o Clarinete Bajo (Intérprete: José Luis Estellés)

Percusión (Intérprete: Miquel Bernat).

La Percusión incluye los siguientes instrumentos: una marimba 5 octavas, un vibráfono, una lira, un bombo, dos toms (o congas), unos bongós, un plato. Existe la opción de sumar a este set otras pequeñas percusiones a elección de los compositores, siempre y cuando lo soliciten previamente para ver si es posible disponer de ellos.

Cada alumno podrá escoger componer su obra para uno, dos o tres de los instrumentos propuestos.

Entre abril y junio, los alumnos seleccionados enviarán a la dirección email del curso (info@musicaactiva.com), en formato pdf, el trabajo que vayan realizando, para la corrección y desarrollo de la obra bajo la dirección el profesor de composición. Las obras serán trabajadas y puestas a punto durante los días de clase en Canfranc, con los instrumentistas arriba citados, con el fin de presentarlas en el concierto  que tendrá lugar el lunes 15 de julio, dentro de la programación del XVIII Festival Internacional de Música Pirineos Classic.

Durante la estancia en Canfranc, se sugiere a los participantes que, individualmente o en grupos (2-3 personas), compongan breves obras pedagógicas que integren las problemáticas actuales de la composición, dirigidas a los jóvenes instrumentistas que participen en los cursos de interpretación que se desarrollan en las mismas fechas en Canfranc. Los instrumentos son los que se detallan más abajo, en el apartado Área Instrumental.

ÁREA INSTRUMENTAL

1. INSTRUMENTO [Individual]. Diversos profesores [ver apartado PROFESORADO].

Violín | Viola | Violonchelo | Contrabajo | Flauta | Oboe* | Fagot* | Clarinete | Piano 

Piano jazz & improvisación | Jazz vocal | Batería

*Los miembros de AFOES (Asociación de Fagotistas y Oboístas de España) pueden beneficiarse de un 10% de descuento sobre las tarifas del curso. 

2. INSTRUMENTO [Grupal].

2.a) Orquesta de Cuerda. Prof. David MARCO.

Alumnos de violín, viola, violonchelo y contrabajo.

2.b) Camerata de Cuerda. Prof. Nicolás CHUMACHENCO & Sergio CASTRO.

Alumnos de violín, viola, violonchelo y contrabajo.

2.c) Piano Jazz & Improvisación [Piano sin Partitura]. Prof. Guillaume DE CHASSY.

Alumnos de piano.

Nivel 1: Alumnos que realizan el Taller por primera vez.

Nivel 2: Alumnos que ya hicieron este Taller en pasadas ediciones del curso.

Ir más allá de la partitura, confiar en el propio oído, expresar la creatividad personal siguiendo algunas reglas simples: esta es la finalidad de este taller. Como punto de partida, se escogerá un repertorio simple y familiar: Bach, Schubert, Chopin, Satie, canciones, etc.

El taller será ante todo lúdico, basado en la escucha y la experimentación, evitando toda jerga técnica inútil.

El objetivo es que cada alumno acabe el taller con una “caja de herramientas” que le sirva para practicar, sólo o en grupo, la improvisación.

Modo operativo : solos y dúos de piano, juegos de imitación y preguntas-respuestas musicales.

Por supuesto, todo esto se trabaja de oído y por transmisión oral… ¡siempre sin partitura!

Contenidos:

  • improvisar sobre un acorde (una escala): sin tempo, luego con un tempo y una métrica determinada.
  • ornamentar a partir de un fragmento de tema clásico (Bach, Schubert, Chopin, Satie…) o de canción.
  • improvisar sobre 2, 3, 4 acordes, sin tempo, luego con tempo y una métrica determinada.
  • ilustración a partir de un fragmento de tema clásico o de chanson.
  • iniciación a la lectura de “grilles” armónicas de jazz
  • improvisaciones libres sobre materias sonoras
  • juegos rítmicos y vocales colectivos.
  • audiciones comentadas de referencias discográficas.

2.d) Piano Contemporáneo. Prof. Alberto ROSADO.

Alumnos de piano.

Este taller tiene como objetivo fundamental acercar a alumnos de grado medio y superior al mundo de la música escrita para piano desde mediados del siglo pasado hasta nuestros días.

Se aportarán claves para descodificar un lenguaje que aún hoy sigue pareciéndonos extraño y se propondrán maneras de abordar el estudio de cada obra, compositor o período. Todo ello, con el fin de lograr disfrutar de una música compuesta en nuestro tiempo, para ser interpretada por nosotros.

Sólo hay que cumplir un requisito: venir con la mente y los oídos bien abiertos, sin prejuicios, para abordar una música que os va a sorprender.

Temario:

1. Alumnos de Grado Profesional

Descubriremos los nuevos elementos que aporta el lenguaje contemporáneo al piano, y jugaremos con ellos. El trabajo será de carácter práctico, aunque los alumnos estaréis invitados a las clases teórico-prácticas de grupo de «preparación» del piano y del piano «tocado por dentro».

Trabajaremos obras creadas para pianistas de este nivel por compositores como Kurtág (Jatekok), Sciarrino, Rueda o Halffter; y obras de un nivel asequible como las de Cage, Cowell, Crumb o Lachenmann (Kinderspiel), entre muchos otros.

2. Alumnos de Grado Superior

Daremos un repaso a la historia de la música para teclado desde el dodecafonismo hasta nuestros días, pasando por los compositores más representativos de nuestra historia reciente.

El temario se dividirá en cinco bloques, con el fin de ofrecer una información más clara, directa y ordenada. Cuatro de ellos se refieren a diversos periodos estilísticos de la historia del piano contemporáneo; y el quinto al estudio y presentación de los métodos, recopilaciones y publicaciones específicas para acercar la noción de lo contemporáneo a los más jóvenes.

Bloque 1: El Serialismo no es tan serio.

Iremos de la desaparición progresiva de la tonalidad al serialismo integral y sus últimas consecuencias, pasando por el atonalismo y el dodecafonismo. Oiremos obras de compositores que han tratado de romper los esquemas de la música «clásica» occidental partiendo de ella, y de la que nunca se han desvinculado por completo. Dedicaremos atención especial al desarrollo de las nuevas grafías.

  • Schoenberg como «sucesor» de la búsqueda iniciada por Brahms. Prestaremos especial atención a sus Op. 11, 19, 23 y 25.
  • Webern, expresión y concisión. Trabajaremos su Kinderstücke y daremos un vistazo estético a sus Variaciones Op. 27, y al malentendido que éstas van a generar entre los compositores posteriores.
  • De Boulez analizaremos su obra más pedagógica: las Doce Notaciones.
  • Stockhausen, la hiper-complejidad de sus Klavierstücke frente a la ingenuidad de su Tierkreis, doce piezas sobre símbolos del Zodiaco.
  • Berio, la cara más latina del serialismo. Nos detendremos en sus Six Encores.

Bloque 2: Los Pájaros bailan.

En este bloque descubriremos a grandes compositores para piano que han estado casi totalmente fuera del movimiento serial. Sus fuentes son: para algunos el Folklore «universal», para otros los sonidos de la Naturaleza y para otros la Mística o la Religión. Todo ello basado en la conquista de un lenguaje que debe mucho a compositores como Bartók, Stravinsky, Ravel y Debussy.

  • Messiaen, su obsesión por el canto de los pájaros y su profunda religiosidad. Abordaremos alguno de sus Preludios y algunas de sus Miradas sobre el Niño Jesús más asequibles.
  • Takemitsu y su relación con la mística y la poesía japonesas, en obras como Los ojos cerrados, Rain Tree Skecht 1 y 2,  Pausa Ininterrumpida (3), Litany o sus dos piezas para niños.
  • Ligeti y su relación con el folklore, no solo de Europa Oriental sino también de África. Su Musica Ricercata y sus obras más juveniles (incluidas las de cuatro manos) nos acercarán a un compositor que más tarde se hará casi “impracticable” en sus Estudios.
  • Y si nos da tiempo… música de Benjamin, Sciarrino, Dusapin, etc.

Bloque 3: ¿Tocamos el piano por dentro?

Entraremos en contacto con la música más experimental, veremos cómo surge la necesidad de utilizar timbres nuevos en el piano y cómo en América se abre un nuevo camino en este sentido. Veremos los diferentes símbolos por los que opta cada compositor y nos introduciremos en el piano para tocarlo por dentro, para «prepararlo» y divertirnos con él.

  • Cowell, al que se le ocurrió meterse por primera vez dentro del piano. Jugaremos con su Aeolian Harp y su Sinester Resonance.
  • Cage y su «piano preparado», piano como gamelan y como un nuevo y enriquecido instrumento. Analizaremos algunas de sus Sonatas e Interludios a parte de sus obras pre – new age.
  • Crumb, una evolución en la escritura para piano tocado por dentro. Misticismo y efectismo en sus dos libros del Makrokosmos.
  • Lachenmann y su Güero o el español Jesús Navarro y su Tortured Vinyl, otra vuelta de tuerca para jugar con nuestro instrumento.

Bloque 4: Piano + Electrónica & Vídeo

Son realmente dos las maneras de hacer interactuar un piano con sonidos electrónicos: que estos estén grabados y se lancen desde un ordenador, o que el sonido del piano sea procesado en vivo. Exploraremos la corta historia de la relación del piano con los sonidos electrónicos desde Stockhausen hasta Jodlowsky pasando por Davidovsky, Estrada, Fuentes, Paredes o Humet.

Bloque 5: Jugar y aprender

Lo dedicaremos al estudio de los métodos, series de piezas y colecciones publicadas para favorecer el contacto directo de alumnos de diferentes niveles con el mundo del piano contemporáneo, su lenguaje, su contenido y sus símbolos.

El Jatekok de Kurtag es el más completo y aprovechable de todos los compendios de piezas que actualmente podemos encontrar. Intentaremos ahondar en su contenido, aportaremos claves para utilizarlo y jugaremos con algunas de sus piezas.

Las recopilaciones de Universal Edition y otras editoriales.

El Álbum de Colien, Invenciones de Rueda o Quan el piano canta… de Santacana, firme apuesta española por divulgar la música de nuestros compositores.

2.e) Conjunto instrumental o vocal [según especialidad]. Diversos profesores.

Alumnos de flauta, oboe, fagot,  clarinete, batería, jazz vocal.

3. MATERIAS COLECTIVAS

3.1 Coro [Jazz, Gospel & Musical]. Prof. Laura SIMÓ.

Uno de los objetivos de esta materia es el conocimiento de la propia voz y de sus posibilidades, ya que se trata del instrumento más directo para canalizar nuestra expresividad musical y emocional, trabajando la relajación y la posición corporal, así como la respiración. El otro es el descubrimiento del coro como instrumento, aprendiendo a escucharse, a empastar, a buscar un sonido, una afinación y una expresión musical comunes; y asumiendo la responsabilidad individual y de grupo. También se trabajará la dicción, subrayando la comprensión de la importancia del texto en la obra musical.

En cuanto al repertorio, se trabajarán temas de jazz, de gospel y de teatro musical: tras un breve recorrido introductorio por la historia de estos géneros musicales se realizará un trabajo práctico sobre la voz, el ritmo y las técnicas de respiración que se necesitan para una adecuada interpretación.

3.2 Formación Escénica para Músicos [La transmisión de la emoción escénica]. Prof. Nuria SOLER.

¿Qué sentimos cinco minutos antes de salir al escenario?

¿Cómo gestionamos la emoción de un texto, de una partitura?

¿A través de qué mecanismos transmitimos nuestros sentimientos y sensaciones para que lleguen con la misma intensidad al público?

Son preguntas habituales que nos planteamos  en el proceso de ensayos y de creación.

Las emociones están ahí, son innatas y tenemos que reconocerlas y aprender a crear las condiciones internas para poder reproducirlas una y otra vez en cada función o concierto.

El juego teatral permite que seamos conscientes de lo que sentimos, de por qué lo sentimos y para qué lo sentimos, y así poder trabajar con bases sólidas que transmitimos desde la verdad.

3.3 Ritmología [Percusión Étnica]. Prof. Ángel PEREIRA.

«Es indispensable, en el campo de la música… prestar especial atención a los ritmos del ser humano, favorecer en el niño (el niño interior que todos llevamos dentro) la libertad de sus acciones musculares y nerviosas, ayudarle a triunfar sobre las resistencias e inhibiciones y armonizar sus funciones corporales con las del pensamiento.» (Jacques Dalcroze).

El ser humano se halla bajo la influencia de jerarquías de ritmos internos que le provocan estados de armonía o desarmonía. El proceso de entrar en armonía se denomina sincronía. Todo empieza a partir de este ritmo interno que debemos sincronizar con nosotros mismos y con nuestro entorno.

El Ritmo es un elemento básico en el universo: sin Ritmo no habría vida. Etimológicamente, la palabra ritmo viene del griego y significa fluir. El Ritmo expresa la necesidad creativa del ser humano. Influye en los estados de la persona, ya que afecta a nuestros canales energéticos; desarrolla el instinto de grupo; aumenta la confianza en nosotros mismos; y mejora la psicomotricidad y los reflejos. Ejerce, pues, una enorme influencia sobre nosotros en todos los aspectos: físico, mental, emocional, espiritual… Y es, en consecuencia, de vital importancia para el desarrollo armónico del futuro músico. Sin embargo, la aproximación al Ritmo en los centros de enseñanza no acostumbra a ser todo lo «vivencial» que sería deseable: se aprende la mecánica de la lectura y la escritura, pero no a vivir y a sentir el hecho rítmico en sí.

El objetivo de este taller, dirigido por el percusionista Ángel Pereira, es contribuir al desbloqueo psicofísico y a la percepción del ritmo como sensación corporal. Para ello se combinará la realización de ejercicios de improvisación y de creación colectiva con diversos instrumentos de percusión (cajón, djembé, darbuka…) con un trabajo corporal basado en movimientos de aikido y de tai-chi.

4. SEMINARIOS DE PEDAGOGÍA

4.1 Las pedagogías de Forcada y Rolland: Aplicación en el sistema educativo español. Prof. Claudio FORCADA.

Consciente del bajo nivel de los instrumentistas de cuerda en Estados Unidos en la década de los 40, el violinista húngaro Paul Rolland desarrolló una pedagogía basada en un análisis de la técnica de los instrumentos de cuerda, de manera que pudiera ser aplicada por cualquier profesor, independientemente de su contexto.

Claudio Forcada conjuga en su pedagogía las ideas de Rolland, Zweig, Havas y Suzuki; materiales procedentes de Wohlfahrt, Kayser,  Kreutzer y Flesch; y otras influencias procedentes de los campos de la pedagogía general y el aprendizaje motor.

Entre otras dificultades, los docentes se enfrentan con la disyuntiva de cuándo introducir cada técnica y qué repertorio es el más adecuado en cada momento. En este curso se analizará el papel que las ideas de Paul Rolland tienen en la pedagogía de Claudio Forcada, incluyendo la organización de las clases, la programación de los primeros cursos, el material utilizado y las técnicas de Rolland que utiliza en cada curso (posición, vibrato, cambios de posición, emisión del sonido, afinación, golpes de arco, etc.). El curso tiene un enfoque eminentemente práctico, por lo que se aconseja a los participantes en el seminario traer su propio instrumento, para probar las técnicas y ejercicios propuestos.

4.2 Pedagogía del Violonchelo. Prof. Iñaki ETXEPARE.

Estas seis sesiones sobre pedagogía del violonchelo tienen por objeto servir de apoyo a los profesionales y/o alumnos de Grado Superior que se dedican -o piensan dedicarse, en un futuro próximo- a la enseñanza de este instrumento.
Cada niño,  cada adulto, representan un amplio abanico de posibilidades, por lo que el tratamiento psicológico a aplicar a cada cuál será diferente. Sin embargo, es posible exponer una serie de argumentos comunes, que tienen por objeto facilitar la técnica y el buen hacer en lo que supone la disciplina del aprendizaje del violoncello.
A continuación se detallan los contenidos a tratar en cada encuentro, que irán acompañados, en cada clase, de sus pertinentes ejercicios prácticos. Aparte de los aquí mencionados, se tratará cualquier otro tema a petición de los participantes en estas sesiones.

ENCUENTRO N º 1
Primera, segunda, tercera y cuarta clase del alumno principiante. Trato y manejo del instrumento. Disposición del cuerpo y su movimiento, antes de sentarse en la silla y antes de coger por vez primera el violonchelo y el arco. Principios del violonchelista y profesor de Técnica Alexander Pedro de Alcántara. Pies, piernas, tronco y cuello.

ENCUENTRO N º 2
El arco y su contacto con la mano y el brazo derechos, el punto de equilibrio. Qué parte del arco utilizar al principio. La velocidad del arco. Peso-presión. Punto de contacto. Problemas y soluciones de perpendicularidad. La mano y brazo izquierdos. Conciencia de la importancia de los codos. Filosofía de la utilización de las partes grandes del cuerpo para facilitar el trabajo de las pequeñas. Apuntes sobre la construcción del arco, resinas, crines…

ENCUENTRO N º 3
La necesidad del vibrato desde los inicios. Los cuatro ingredientes del vibrato.
Ejercicios para la búsqueda del vibrato. Los cambios de posición y su mecánica. Espalda y piernas en relación al cambio de cuerda y cambios de posición. Cambiar de cuerda con el arco y con el violonchelo. Sistema de trabajo, métodos, escalas, estudios, obras. El estímulo. La importancia de los pulgares.

ENCUENTRO N º 4
Presencia de los padres. ¿Clase en grupo?, ¿por parejas?, ¿individual? La rueda de instrumentos. Cómo realizar una clase en grupo. El teléfono cellístico, la inventiva, la reacción. Exámenes, audiciones. Cuándo y cómo tocar en grupo, cámara, orquesta. El violonchelo en los colegios. Frecuencia de las clases, las vacaciones.

ENCUENTRO N º 5
Problemas y soluciones con: Vibrato. Cambios de posición. Arco. Afinación. Calidad y volumen del sonido. Musicalidad. Interpretación. Respiración.
Origen, consecuencias y reeducaciones.

ENCUENTRO N º 6
Compra y/o alquiler del instrumento. Cambios de tamaño del instrumento y el arco. Nivel de calidad de instrumentos y arcos en la clase de un profesor. Montaje del violoncello: puente, alma, clavijas… Mantenimiento del instrumento. Construcción – reparación. Partituras. «Dix ans avec le violoncelle», Instituto Musical de La Villette, París.

4.3 Pedagogía de los Instrumentos de Viento. Prof. Juan Mari RUIZ.

Gran parte de los estudiantes que terminan sus estudios en el conservatorio y encuentran una salida profesional lo consiguen en el campo de la enseñanza, pese a que la mayoría de ellos ha cursado la especialidad de interpretación. Esto implica que en ocasiones encuentren dificultades para transmitir a los demás lo que de forma natural saben hacer con su instrumento, mostrar cual es la forma más efectiva de lograrlo y adaptar sus explicaciones al nivel, edad y capacidades de cada alumno. Por otra parte, los estudiantes de la especialidad de pedagogía a menudo carecen de un adecuado acercamiento a la actividad interpretativa propia de su instrumento.

Con el objetivo de ofrecer una guía eminentemente práctica que sirva de orientación a los profesores noveles, en este curso se explicará la relación entre la práctica interpretativa y la docente, y también el diferente papel a desempeñar y la necesaria adaptación a realizar por parte del instrumentista al actuar como intérprete o como profesor. A tal fin se trabajarán diferentes aspectos del aprendizaje de los instrumentos de viento:

La propia forma de tocar. Cómo cada instrumentista adapta la técnica y la teoría a sus necesidades y características personales. Análisis y autoconocimiento.

Cómo transmitir nuestras habilidades a los demás. Comunicación verbal, ejercicios y ejemplos instrumentales más allá de la imitación.

Las clases de iniciación. Las primeras semanas con el instrumento. Adecuación y secuenciación de los contenidos.

El día a día en clase en los distintos niveles. Estructura de las clases y organización.

Las clases colectivas y las audiciones.

Cómo preparar la parte práctica docente de una prueba. De qué forma se puede mostrar en pocos minutos al comité de selección para un puesto de trabajo que se es capaz de trabajar con los alumnos todo lo que implica tocar un instrumento.

Dado el carácter práctico de este curso es importante que los alumnos acudan con su instrumento.

Nuestro Temario incluye también:

MASTERCLASSES

Sesiones individuales (para alumnos externos) o suplementarias (para alumnos ya inscritos en el curso) de clase de instrumento, de 1h o de 45 minutos, según edad y/o nivel, con cualquiera de los profesores del curso.

Estas clases se pueden solicitar en cualquier momento durante el período de inscripción, pero sólo se confirmarán al cierre de matrícula, durante el mes de junio.

PROFESORES OYENTES

El curso está abierto también a profesores que deseen asistir en calidad de oyentes, a la totalidad o a una parte del curso.

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ESTRUCTURA DE LOS CURSOS – SEGÚN ESPECIALIDADES –

CURSO DE COMPOSICIÓN

Alumnos de Grado Profesional (3er ciclo), Grado Superior y Postgrado. Incluye:

1. Clases de Composición | 8 sesiones | Mañanas de 10h a 14h.

2. Sesiones de Trabajo Práctico & Ensayos | 8 sesiones | Tardes de 16h a 19h.

Nota: Estos horarios están pensados para un grupo de 8 alumnos y podrán ser revisados en el caso de no completarse este número de inscritos.

CURSOS DE INSTRUMENTO

OPCIÓN A

Alumnos de Primer y Segundo Ciclo de Grado Profesional (de 1º a 4º). Incluye las siguientes materias:

1. Instrumento | clase individual | 4 clases de 45 minutos

2. Instrumento | clase grupal | de 4 a 8 clases, según especialidad

Una de estas materias, según el instrumento:

a) Orquesta de Cuerda (alumnos de violín, viola, violonchelo, contrabajo).

b) Piano Jazz & Improvisación (alumnos de piano).

c) Grupo Instrumental y/o Colectivas de Técnica e Interpretación, según el criterio de cada profesor (alumnos de oboe, clarinete, batería & percusión jazz, jazz vocal).

3. Coro | 8 clases

4. Ritmología | 8 clases

5. Formación Escénica | 8 clases

OPCIÓN B

Alumnos de Tercer Ciclo de Grado Profesional (5ª y 6º), Grado Superior y Postgrado. Incluye las siguientes materias:

1. Instrumento | clase individual| 4 clases de 1 hora

2. Instrumento | clase grupal | de 4 a 8 clases, según especialidad

Una de estas materias, según el instrumento:

a) Orquesta de Cuerda o Camerata, según nivel (alumnos de violín, viola, violonchelo, contrabajo).

b) Piano Jazz & Improvisación o Piano Contemporáneo, a libre elección (alumnos de piano).

c) Grupo Instrumental y/o Colectivas de Técnica e Interpretación, según el criterio de cada profesor (alumnos de oboe, clarinete, batería & percusión jazz, jazz vocal).

3. Coro | 8 clases

4. Ritmología | 8 clases

5. Formación Escénica | 8 clases

OPCIÓN C

Alumnos de Cuerda o de Piano | Grado Superior y Postgrado | Profesores. Incluye las siguientes materias, según la especialidad:

a) Alumnos de Cuerda | Viento

1. Instrumento | 4 clases individuales de 1 hora*

2. Camerata de Cuerda | Conjunto Instrumental | 8 clases

3. Seminario de Pedagogía de la Cuerda | del Viento, a escoger entre

a) Las pedagogías de Forcada y Rolland.

b) Pedagogía del Violonchelo.

c) Pedagogía de los Instrumentos de Viento.

b) Alumnos de Piano

1. Instrumento | 4 clases individuales de 1 hora*

2. Piano Jazz & Improvisación | 4 sesiones, a días alternos

3. Piano Contemporáneo | 4 sesiones, a días alternos

*Pueden añadirse clases individuales de instrumento a esta opción básica, abonando el suplemento correspondiente por cada una (ver Tarifas).

 


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